Sitio Web

Vamos a crear un pequeño sitio web con una página principal y tres derivadas que se conectan entre sí mediante links externos. Las cuatro tendrán colores de fondo diferentes. Para ellos deberemos:

1) Crear en el Escritorio una carpeta de nombre "América".

2) Dentro de ella crear un archivo llamado "index.html" y tres subcarpetas de nombre "Central", "Sur" y "Norte".

3) Dentro de la subcarpeta "Central" guardar 9 imágenes de paisajes de América Central.

*Puede buscar por Caribe, Guatemala, Costa Rica, Cuba, Antillas, Nicaragua, Guatemala, Belice, Panamá, etc.

** Se sugiere guardarlas con nombres sencillos, por ejemplo 1.jpg, 2.jpg, 3.jpg, etc.

4) Dentro de la misma subcarpeta "Central" crear un archivo llamado "central.html", que deberá tener un título ("América Central") y una tabla de 3x3 con las imágenes respectivas.

5) Dentro de la subcarpeta "Sur" guardar 9 imágenes de paisajes de América del Sur.
*Puede buscar por Amazonas, Patagonia, Andes, Pantanal, Colombia, Atacama, Buenos Aires, Rio de Janeiro, Punta del Este, etc.
** Se sugiere guardarlas con nombres sencillos, por ejemplo 1.jpg, 2.jpg, 3.jpg, etc.
6) Dentro de la misma subcarpeta "Sur" crear un archivo llamado "sur.html", que deberá tener un título ("América del Sur") y una tabla de 3x3 con las imágenes respectivas.

7) Dentro de la subcarpeta "Norte" guardar 9 imágenes de paisajes de América del Norte.
*Puede buscar por Canadian Forest, Colorado Canyon, New York, Greats Lakes landscapes, Mississippi landscapes, Paisajes de México, Acapulco, ruta maya, Cancún.
. ** Se sugiere guardarlas con nombres sencillos, por ejemplo 1.jpg, 2.jpg, 3.jpg, etc.
8) Dentro de la misma subcarpeta "Norte" crear un archivo llamado "norte.html", que deberá tener un título ("América del Norte") y una tabla de 3x3 con las imágenes respectivas.

9) En el archivo "index.html" copiar el siguiente código:
----------------------------------------------
<html> <head> <title> América</title> </head>

<body bgcolor="chocolate">

<center><h1> El continente americano </h1>

Haga clic para ver imágenes de América Central <br><br>
Haga clic para ver imágenes de América del Norte<br><br>

Haga clic para ver imágenes de América del Sur<br><br>
</center>
</body>
</html>

----------------------------------------------
Poner los links correspondiente a las páginas creadas en cada subcarpeta.

Las páginas de las subcarpetas deben tener un color de fondo diferente, un título en formato <h1> y una tabla de 3x3 que contenga las imágenes guardadas con el formato width=300 height=200

(código para una página de las subcarpetas)

<html> <head> <title> Central</title> </head>

<body bgcolor="seagreen">

<center><h1>América Central </h1>
<br><br><b>Paisajes centroamericanos</b><br><br>
<table border="6" bordercolor="blue">
<tr>
<td><img src="1.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="2.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="3.jpg" width="300" height="200"> </td>
</tr>
<tr>
<td><img src="4.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="5.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="6.jpg" width="300" height="200"> </td>
</tr>
<tr>
<td><img src="7.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="8.jpg" width="300" height="200"> </td>
<td><img src="9.jpg" width="300" height="200"> </td>
</tr>
</table>
<br> <br>

VOLVER A INDEX

</center>

</body>
</html>

---------------------------------------------------------------------

Enlaces Internos

Copiar todo este código hasta donde dice "FIN . Volver Arriba" y pegarlo en NotePad++
Poner en el índice un enlace a cada sección.
Debe poner además, al final de cada sección, un enlace que diga "Volver arriba" para ubicar al navegante en el índice.

<html>
<head> <title> Cine</title>
</head>

<body bgcolor="tan">
<center><h1> Tipos de películas </h1></center>

1 Terror <br>
2 Acción<br>
3 Ciencia Ficción<br>
4 Románticas<br>
5 Comedias<br>
6 Animación<br>

<center><h1> Películas de Terror </h1></center>
El horror es un género que se define por la sensación que causa: miedo. Nöel Carroll en su libro The Philosophy of Horror explica que la característica más importante del genero horror es el efecto que causa en la audiencia, el horror necesariamente debe provocar miedo en el espectador.<br>

<b>Diferencia entre horror, terror y repulsión</b><br>
Algunos teóricos distinguen entre el horror y el terror afirmando que el primero provoca sensaciones físicas y el segundo ideas y especulaciones en la audiencia. El autor Noël Carroll en su libro The Philosophy of Horror explica:

Existe la tentación de seguir el ejemplo de los defensores de la ciencia ficción y de marcar una
distinción entre el género del horror y los demás géneros argumentando que las novelas, cuentos,
películas, obras de teatro, etc. de horror se caracterizan por la presencia de monstruos.
Para nuestros propósitos, los monstruos pueden ser de cualquier origen, ya sea sobrenatural o
ciencia ficcional (creación humana).Carroll distingue entre el horror y el terror tomando en
cuenta especialmente una característica: la presencia de un monstruo. El horror, siempre incluye a
una criatura que trasgrede de cierta manera las reglas o convenciones del mundo diegético en que es
situado. Mientras que el terror no necesita un monstruo, puede ser un humano el responsable de los
hechos que nos aterrorizan. En el libro Danse Macabre (Danza macrabra), Stephen King explica que
las obras del género del horror pueden funcionar en tres niveles. Los primeros dos niveles son el
horror - causa sensaciones físicas - y el terror, que tiene más que ver con ideas y especulación,
sin tener algo seguro a lo cual temer. En un principio, King denomina estos dos niveles como “gross-out” y dance level.Nota 2 Su tercer nivel es la repulsión. Ésta es el nivel más bajo del género del horror, donde encontramos demasiada sangre y trozos de cuerpos humanos. King no proporciona una definición precisa, sino que ejemplifica con películas y novelas que de acuerdo con él se desarrollan en el tercer nivel del género del horror. Uno de sus ejemplos es “Foul Play” de “The Crypt of Terror”, historia donde Herbie Satten, un pitcher, es castigado brutalmente por la comunidad por haber envenenado a otro jugador. Al final de la historia resulta evidente que se desarrolla en el tercer nivel del género del horror, ya que el último partido se juega con el cadáver del pitcher:

El bateador se encuentra de pie sobre la caja de bateo y en lugar de practicar un bate de Louisville, él utiliza una de las piernas de Herbie. El lanzador está sosteniendo una cabeza humana grotescamente mutilada y preparándose para lanzarla. La cabeza, de la cual le cuelga un ojo desde su nervio óptico, se ve como si ya hubiera sido utilizada para un par de cuadrangulares.

Desde que existe el ser humano existe el miedo, uno de los sentimientos más fuertes, y por lo tanto el
horror y el terror. De acuerdo con H.P. Lovecraft: “El miedo es una de las emociones más antiguas y
poderosas de la humanidad, y el miedo más antiguo y poderoso es el temor a lo desconocido”.
En el primer capítulo de su libro The Supernatural Horror in Literature (El horror sobrenatural en la literatura), Lovecraft explica que lo desconocido era para nuestros antepasados una gran amenaza, ya que fenómenos como los climáticos, los cuales no entendían, les podían ocasionar grandes desgracias. Por esta razón, lo desconocido se volvió, en palabras de Lovecraft: “una fuente terrible y omnipotente de desgracias y de bendiciones que azotaban a la humanidad por motivos tan inescrutables como absolutamente extraterrenales”. Los mitos y leyendas que tratan
temas de horror son antecedentes al género del horror.
<br>
<b>Gótico <br></b>
Otro de los antecedentes de este género lo podemos encontrar en el gótico, el cuál inició con la
novela de Horace Walpole The Castle of Otranto (El castillo de Otranto). Este género es tan cercano
al del horror que algunos autores, como Lovecraft, incluso lo consideran el inicio del género. Lovecraft enumera las convenciones góticas respecto a personajes y lugares de esta manera:

Los elementos constitutivos de las novelas góticas son: el castillo antiguo, con grandes jardines
y parajes desolados, catacumbas ocultas y una multitud de fantasmas, cada uno con sus propias características que producen miedo. Además, las novelas góticas presentan al tiránico y malvado noble como villano; la delicada y frágil doncella en el papel de heroína, que es testigo de la mayor cantidad de eventos horríficos y con la cual los lectores se identifican y simpatizan; el glorioso y valiente héroe, siempre de familia noble pero usualmente disfrazado como plebeyo; la convención de otorgar nombres extranjeros –usualmente de origen italiano- a los personajes; y toda una serie de elementos extraños.<br> <br>
<b>Época Victoriana</b><br>
Las convenciones góticas antes mencionadas son importantes porque algunas de ellas las encontraremos presentes en otro de los antecedentes del horror: los textos escritos durante la época victoriana. En estos textos se suscitó un cambio respecto a los lugares donde se llevaba a cabo la historia de horror. En el artículo “Introduction to Victorian Gothic”, de Charlotte Barett, leemos:

<i>Durante la época victoriana, se dejaron de escribir obras góticas como tal, sin embargo, las convenciones góticas utilizadas durante el inicio del siglo XVIII fueron modificadas para utilizarse a finales de siglo XIX. Como ejemplo, varias convenciones góticas utilizadas en la novela Los misterios de Udolfo escrita por Ann Radcliffe se retomaron en las obras literarias de finales del siglo XIX. Algunas de estas convenciones fueron: el horror psicológico y físico; lo sobrenatural, la locura y las maldiciones heredadas de los antepasados.</i>
<br>El inicio del género: Frankenstein <br>
Todavía podemos encontrar convenciones góticas, como las mencionadas tanto por Lovecraft como por Barrett, en textos ya considerados como parte del género del horror, lo que contribuye a que sea tan difícil saber dónde comienza el horror y donde acaba el gótico. Carroll habla de una obra en específico con la que él cree que se inició el género del horror: Frankenstein.

Después de hablar del gótico, Lovecraft menciona algunos autores que considera importantes para la
historia del género del horror. Entre ellos está Théophile Gautier, en cuya obra encontramos, de acuerdo con Lovecraft, “la percepción distorcionada, auténticamente francesa, del mundo; y el misterio fantasmagórico, que aunque no siempre se utiliza, puede ser reconocido como algo innovador y profundo”.
Otro nombre importante es el de Edgar Allan Poe. Lovecraft explica que durante la década de los años treinta del siglo XIX los cuentos cobran mayor popularidad, tanto en el viejo continente como en el nuevo y considera que la popularidad adquirida se debe en gran parte a Edgar Allan Poe; en el capítulo siete de Supernatural Horror in Literature (Horror sobrenatural en la literatura) leemos: “Los americanos tenemos la buena suerte de poder reclamar como propio ese despertar, ya que estuvo encarnado en la figura de nuestro más ilustre y desventurado compatriota, Edgar Allan Poe.” Lovecraft se detiene a hablar con mayor detalle de Edgar Allan Poe e incluso le dedica un capítulo entero, en el que nos explica que existen distintos tipos de historia de horror entre los cuentos que Poe escribió.

<center><h1> Películas de Acción </h1></center>

El llamado cine de acción es un género cinematográfico en el que prima la espectacularidad de las imágenes por medio de efectos especiales dejando al margen cualquier otra consideración. La denominación es más un convencionalismo popular, que un género cinematográfico acuñado por críticos, estudiosos o cineastas. Los elementos más frecuentes de una película de acción son persecuciones (tanto a pie como con vehículos), tiroteos, peleas, explosiones, robos, y asaltos.

La categorización de cine de acción surge por la necesidad de clasificar cintas explosivas, con actores populares y con tramas lineales, llenas de espectacularidad y opulencia aparecidas a mediados de los setenta en el cine estadounidense. Los locales de alquiler o renta de películas en formatos caseros popularizaron la denominación de estas cintas como de “acción”.

La trama suele estar basada en un conjunto reducido de clichés en los que se suele incluir:

Un héroe o antihéroe

En la mitología y el folclore, un héroe (del griego antiguo) o heroína (femenino) es un personaje eminente que encarna la quinta esencia de los rasgos claves valorados en su cultura de origen. Comúnmente el héroe posee habilidades sobrehumanas o rasgos de personalidad idealizados que le permiten llevar a cabo hazañas extraordinarias y beneficiosas («actos heroicos») por las que es reconocido.

A su vez, el héroe es un personaje que por su origen, ideas, valores y acciones, que se fundan en la solidaridad y en la justicia social, resalta y es digno de respeto o veneración. En la narración mitológica se conforma por un inicio casi siempre extraordinario, mediado de diversos conflictos que se resuelven, y un evento final en donde el héroe se confronta con su contrario (ya sea un individuo o conjunto de individuos) y finalmente muere (ya pierda o gane) de manera gloriosa para servir de ejemplo al género humano.

<b>Características del héroe</b>

Rasgos distintivos generales del héroe

Una inteligencia superior que les posibilita solucionar acertijos y problemas (p.　e. el de Edipo frente al enigma propuesto por la Esfinge).

Cometer un phónos akoúsios, es decir, una muerte accidental, por lo que deben sufrir un castigo que determina el exilio (p.　e. Heracles)

La mayor parte de las veces han experimentado el exilio, lo que implica una suerte de conocimiento o iniciación por la que, al regresar, se muestran como seres algo diferentes (pensemos el caso de Jesús, Eneas o el Cid).

Poseen una morfología fuera de lo ordinario; en la mayor parte de los casos manifiestan marcas visibles –Lábdaco es cojo, Odiseo tiene una cicatriz; algunos son gigantes; otros enanos; otros, como Heracles, poseen una fuerza desmedida; esa morfología singular los lleva a realizar acciones también singulares.

Por razones diversas siempre existe algún ser (divino o mortal) que pretende deshacerse del héroe, por lo que lo somete a combates extraordinarios de los que se espera que no regrese; mas siempre sucede lo contrario, y el héroe retorna victorioso (por ejemplo los trabajos de Perseo).

Sortear diversas pruebas y otros tipos de competencias, de las que el héroe siempre sale airoso. (por ejemplo cualquiera los héroes del deporte: Maradona, Pelé, etc.)

Fundación de ciudades, la mayor parte de las veces por predicción de algún oráculo.

El portar determinadas armas que los caracterizan (en el caso de Heracles una maza arrancada por el héroe en la floresta o bien un arco heredado y que ,tras su muerte, lega a Filoctetes)

El haber tenido una gestación y un nacimiento singulares (así, en el caso de Heracles, Zeus para gozar de Alcmena, triplica la duración de una noche y luego Hera demora la gestación de Alcida).

El haber sorprendido ya en su niñez con hazañas inimaginables (Heracles por ejemplo estrangula dos serpientes siendo un niño).

Poseer un fin generalmente violento dado que mueren despedazados (Orfeo), quemados (Heracles), en combates singulares (Layo), fulminados por un rayo, metamorfoseados, lo cual, en la mayor parte de los casos se da seguido de una apoteosis o transfiguración (Heracles, Orfeo, Edipo).

Tener un final sobrenatural; tal el caso de Edipo, según refiere Sófocles al final de Edipo en Colono, que próximo a morir –según relata el mensajero-, es invitado por una voz impotente a elevarse y sumarse al conjunto de dioses quienes en ese trance lo reconocen como a uno de los suyos.

Tener un destino desventurado con sus hijos (Yocasta y Layo con Edipo, Heracles con los que había tenido con Megara).

<b>Rasgos éticos, morales e intelectuales</b>

Naturaleza mixta: Por lo general, los héroes tienen una naturaleza mixta, es decir, son mitad humanos y mitad dioses.

Conflicto con el mundo exterior: El héroe se pone, a pesar de su superioridad, al mismo nivel de la gente común a la que aquejan problemas semejantes. Esto es lo que hace que el héroe nos sea simpático y nos identifiquemos con él.

Coraje: El coraje para enfrentar la vida es una de las características más obvias para un héroe, porque no podría llamarse héroe si todo le diera miedo o no emprendiera ninguna aventura. El héroe siempre tiene el coraje suficiente para enfrentar los problemas de la vida y de su propio destino.

No tiene miedo a la muerte: El héroe no tiene miedo a la muerte. En sus combates y empresas que lo llevan al borde de la existencia ellos muestran valor y coraje.

Ideología utópica: El héroe se rige por valores universales los cuales hacen referencia al ciclo de la vida: del inicio, al final y a la renovación de la vida. Si no tiene miedo a la muerte, es porque no se fija en la muerte del individuo, sino en la pervivencia del espíritu humano.

Rasgos de acción del héroe

Separación del mundo: Los héroes constantemente sufren un cambio de lugar por causas ajenas a su voluntad, es decir, han sido movidos de su lugar original.15 Esto hace que el héroe busque en su viaje la manera de llegar a casa a toda costa, donde su familia, amigos u otros lo esperan.16 El que un héroe sea movido de su lugar de origen implica un viaje para volver o para encontrar un nuevo hogar. Dicho viaje puede o no ser físico, porque lo que en realidad importa es el viaje interior de autoconocimiento, pues conociendo la naturaleza del hombre y su conexión con el mundo es como se vislumbra la renovación de la vida, la trascendencia del espíritu humano y que a la vez hace que lo mortal y lo inmortal sea uno mismo como realmente lo es.

Búsqueda de aventura: La búsqueda constante de aventura o sed de sangre hace que el combate inicial sea una especie de iniciación para el héroe. Estos combates se dan por el empeño en superar su parte mortal, llevar lo mortal al límite y sobrepasarlo, por lo que emprende diversas empresas. Dichas empresas se sumergen en un tiempo distinto al nuestro, más bien están en los tiempos del origen del hombre y del mundo, y son paradigma del comportamiento humano.18 Sin embargo, también ocurre que su iniciación en la aventura sea de manera involuntaria, ya sea por un accidente, por fuerza del azar o por la intervención de un segundo.

Respuesta al llamado: La respuesta al llamado, ya sea voluntario o involuntario (fruto de la curiosidad), por causa del azar, del destino o de alguien más, es imprescindible para el héroe para demostrar su valentía, su coraje; aunque también demuestra cómo se somete ante el destino. Es decir, el responder al llamado es aceptar la imposibilidad de actuar frente al destino.

Muerte inconsciente: A los héroes, por lo general, la muerte les llega de manera involuntaria, pues su error, imperfección o comportamiento indigno lo comenten en actos de enajenación durante la batalla, lucha o circunstancias donde no les es posible pensar de manera consciente. El héroe no tiene miedo a la muerte, se sabe superior a ella. Es sobre todo una muerte joven y prematura la que los diviniza, pues por sus cuerpos no pasan los efectos del tiempo: no se deterioran, no muestran vejez o enfermedad. Y según Campbell, la muerte del héroe no es tomada de manera negativa, sino como un acto para la renovación del mundo.

Batalla con su contrario: El antagonista puede ser el causante de la separación del héroe con su hogar. Entonces el héroe se sentirá atraído en busca de la causa de su viaje o por venganza, como medio para logar el equilibrio. Y aunque pierda el héroe, eso no significa que sus valores y su ideología no hayan trascendido; al contrario: sus actos, pensamientos y valores pasan a la humanidad.

Regreso para mejorar el mundo: Si después de la batalla el héroe regresa a su hogar, duda de los valores preestablecidos, del orden social, y puede, ya sea directa o indirectamente, cambiar y romper dichas reglas para mejorar la sociedad.

<b>Un villano</b>

Un villano es una persona malvada, especialmente en la ficción. Los villanos son personajes de ficción, o quizá personajes novelados, en dramas y melodramas que ejercen la maldad deliberadamente y que se enfrentan al héroe. Como tales, los villanos son un recurso argumental casi inevitable, y más que los héroes, elementos cruciales sobre los que gira la trama. La etimología de la palabra deriva del inglés <i>villain </i> y ésta a su vez del latín moderno villanus que significa siervo o campesino, alguien que está atado a la tierra de una villa, es decir que trabajaba en el equivalente a una plantación en la antigüedad, por ejemplo en Italia o la Galia. La pobreza entonces se equiparaba a la corrupción moral: los villanos tenían que trabajarse su ascenso en la escala social. Por esto normalmente la palabra villano sugiere que los ardides del villano proceden de su propia indiferencia moral o de la perversidad del personaje.

Los supervillanos se encuentran en los ambientes melodramáticos de los cómics de superhéroes, donde se necesita una persona malvada con superpoderes como contraste digno de los poderosos héroes. Estos supervillanos suelen tener papeles repetitivos, y algunos villanos de la literatura más terrenal se han hecho tan populares que también han sido reutilizados en obras posteriores.

<b>Una joven desvalida </b>

Suele ser rescatada por el protagonista. La damisela en apuros es un tema clásico en el arte, literatura, cinematografía y videojuegos de todo el mundo. Suele ser una mujer joven, bella y núbil puesta en graves aprietos por un villano o un monstruo y que necesita un héroe que se lance a su rescate. Se ha convertido en un personaje tipo, particularmente en los melodramas.

El término «damisela» (del francés antiguo dameisele, ‘señorita’), un arcaísmo que se usa poco en la actualidad salvo para lograr un efecto antiguo o en expresiones como la presente, atestigua su origen en las canciones e historias de caballeros errantes medievales, que consideraban el rescate de estas mujeres una parte esencial de su razón de ser.

La indefensión de estas damiselas, que a veces son presentadas como imprudentes e incompetentes hasta el punto de la ingenuidad, junto con su necesidad de alguien que las rescaten, han hecho de este estereotipo un blanco de críticas feministas.

<b>Un actor secundario cómico (o un animal)</b>

<b>Un final feliz </b>

Aunque en los últimos años los progresos tecnológicos han hecho sustituir en ciertos filmes a los actores de carne y hueso por animatrónicos y generados por ordenador, los actores reales destacados de este género aún son un elemento que da realismo, deben o suelen poseer un físico formidable y entre los últimos años se denotarían algunos como Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis, y Sylvester Stallone en los Estados Unidos; Jean-Claude Van Damme, Jean Reno, y Jason Statham por parte de Europa; y Chow Yun-Fat, Jet Li, y Jackie Chan de Asia.

<center><h1> Películas de Ciencia Ficción </h1></center>

El cine de ciencia ficción es un género cinematográfico que utiliza representaciones especulativas basadas en la ciencia de fenómenos imaginarios como extraterrestres, planetas alienígenas y viajes en el tiempo, a menudo junto con elementos tecnológicos como naves espaciales futuristas, robots y otras tecnologías. El cine de ciencia ficción se ha utilizado en ocasiones para comentarios críticos de aspectos políticos o sociales, y la exploración de cuestiones filosóficas como la definición del ser humano.

Este tipo de cine se origina con el cine mudo, cuando Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès asombró a su audiencia con sus efectos fotográficos. Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el género consistía principalmente en películas de serie B de bajo presupuesto. Tras el hito de Stanley Kubrick de 2001: A Space Odyssey de 1968, el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio. A finales de la década de 1970, películas de presupuesto alto con efectos especiales se convirtieron en populares entre la audiencia. Películas como Star Wars o Close Encounters of the Third Kind allanaron el camino de éxitos de ventas en las siguientes décadas como E. T.: El extraterrestre (1982).

Definir con precisión qué películas pertenecen al género de ciencia ficción es a menudo difícil, ya que no existe una definición universal aceptada del género o de su género subyacente de literatura. De acuerdo con una definición: <br>

<i>“El cine de ciencia ficción es un género cinematográfico que hace énfasis en la ciencia actual, extrapolable o especulativa y el método empírico, relacionándose con un contexto social que está menos enfatizado, pero aún presente, trascendentalismo de la magia y la religión, en un intento de reconciliar al hombre con lo desconocido.” </i>Vivian Sobchack.

<i>“La ciencia ficción comporta una irrupción de lo imaginario en lo real utilizando la ciencia como coartada de la fantasía, provocando la transformación del verosímil en un referente tanto eminente como pretendidamente científico que cumplirá, en ambos supuestos, un rol mítico.” </i>Joan Bassa y Ramón Freixas <br> <br>

La definición asume que existe un continuo entre el empirismo (mundo real) y el trascendentalismo (sobrenatural), en el que el cine de ciencia ficción está en la parte del empirismo y el cine de terror y de fantasía en el lado del trascendentalismo. Sin embargo, existen ejemplos conocidos de películas de ciencia ficción de terror, como Frankenstein y Alien. Y películas como Star Wars que unen elementos típicos del género de ciencia ficción, como naves espaciales y robots, con elementos místicos y mágicos como la Fuerza más apropiados del género de fantasía. Algunos críticos utilizan términos como fantasía científica para indicar la mezcla de géneros de tales películas.

El estilo visual del género de ciencia ficción se puede caracterizar por un choque entre imágenes extrañas y familiares. Este enfrentamiento se lleva a cabo cuando las imágenes extrañas se convierten en familiares, como en el caso de La naranja mecánica, donde las repeticiones del bar Korova hace a un decorado extraño más familiar. También ocurre el proceso inverso, donde en Dr. Strangelove, la distorsión de los humanos hace que las imágenes familiares parezcan más extrañas. Finalmente, puede ocurrir el caso donde las imágenes extrañas y familiares se yuxtaponen, como en The Deadly Mantis cuando una mantis religiosa gigante escala el Monumento a Washington.

Las películas de ciencia ficción aparecieron al comienzo de la época de cine mudo, generalmente como cortometrajes en blanco y negro, algunas veces retocados añadiéndoles color. Las películas solían tener una temática tecnológica y a menudo intentaba ser humorísticas. En 1902, Georges Méliès estrenó Le Voyage dans la Lune, una película que utilizaba trucos fotográficos para representar el viaje de una nave espacial a la Luna. Varias películas fusionaban la ciencia ficción con el cine de terror, como Frankenstein (1910), una adaptación de la novela de Mary Shelley y Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1912) (1912). En 1916 se estrenó el largometraje 20,000 Leagues Under the Sea, basado en la novela de Julio Verne. Durante la década de 1920, los cineastas europeos utilizaron el cine de ciencia ficción para realizar predicciones y comentarios sociales, ejemplos de ello son algunas películas alemanas como Metrópolis (1926) y Frau im Mond (La mujer en la Luna) (1929), adentrándose también en la fantasía de los viajes espaciales a otros mundos, como en el caso de Aelita (1924).

En la década de 1930, con la invención del cine sonoro, las películas de ciencia ficción de Hollywood eran generalmente de serie B de bajo coste, como seriales basados en historietas de Buck Rogers y Flash Gordon. Otras películas de esa década fueron Just Imagine (1930), el primer largometraje de un estudio estadounidense, King Kong (1933), Lost Horizon (1937), dirigida por Frank Capra y la británica Things to Come (1936). En los años 1940, la película estadounidense Dr. Cyclops (1940) fue una de las primeras películas de ciencia ficción en color y Fleischer Studios realizaba cortometrajes animados de Superman que utilizaba con frecuencia temas de ciencia ficción.

Durante la década de 1950, la literatura de ciencia ficción y las revistas pulp se convirtieron en populares, en parte debido al interés del público en el viaje espacial y las nuevas tecnologías. Muchas de las películas de esa década continuaban siendo de serie B de bajo presupuesto. Algunas películas examinaban la temática del viaje espacial, como Destination Moon (1950), Conquest of Space (1955), This Island Earth (1955), The Angry Red Planet (1959) y First Man into Space (1959). El viaje espacial también inducía a la idea de criaturas visitando la Tierra como en The Thing from Another World (1951), Invasion of the Body Snatchers (1956) (1956) e It! The Terror from Beyond Space (1958).

Sin embargo, una película distinguida por mostrar la profundidad del género de ciencia ficción fue The Day the Earth Stood Still de 1951, que contenía cuestiones morales además de su uso de la banda sonora compuesta por Bernard Herrmann.

También se comenzó a utilizar efectos especiales utilizando la animación stop-motion, como la que utilizó Ray Harryhausen en la película Earth vs. the Flying Saucers (1956).

En comparación con la década anterior, en los años 1960 hubo relativamente pocas películas de ciencia ficción, pero algunas de esas películas transformaron el género. 2001: A Space Odyssey (1968) de Stanley Kubrick trajo un nuevo realismo al género con sus efectos visuales innovadores y un retrato realista del viaje espacial además de su influencia al género con su historia épica y sus aspectos filosóficos. Otras películas de la década fueron Fahrenheit 451 (1966) y El planeta de los simios (1968), que proporcionaban críticas sociales, y la extravagante Barbarella (1968), con Jane Fonda, que explora el lado más infantil de la ciencia ficción.

Durante la década de 1970, gracias a los viajes tripulados a la Luna, resurgió el interés del cine de ciencia ficción. Solaris de Andrei Tarkovsky utilizaba técnicas visuales y comentarios filosóficos que recordaba a la película de Kubrick. Las películas de comienzos de la década exploraron el tema de la paranoia, en el que se representaba a la humanidad bajo la amenaza ecológica o tecnológica de su propia creación, en títulos como THX 1138 (1971), La naranja mecánica (1971), Silent Running (1972) y Westworld (1973). También hubo películas de suspense como Soylent Green (1973) y Futureworld (1976) y comedias de ciencia ficción, entre ellas, El dormilón (1973) de Woody Allen y Dark Star (1974) de John Carpenter.

En 1977 se estrenaron Star Wars y Close Encounters of the Third Kind que fueron grandes éxitos en taquilla y trajeron un aumento importante de películas de ciencia ficción. Además, Star Wars ayudó a difuminar la distinción entre géneros de fantasía, ciencia ficción y superhéroes. En 1979, Star Trek: La película trajo por primera vez una serie de televisión al cine. Las películas de Ridley Scott, como Alien y Blade Runner, presentaban un futuro caótico, oscuro y sucio y representaba a los extraterrestres y cyborgs como hostiles y peligrosos. En comparación, la película de Steven Spielberg, E. T.: El extraterrestre, uno de los mayores éxitos de los años 1980, presentaba a los extraterrestres como seres benignos y amistosos.

Las adaptaciones de presupuestos altos de Dune de Frank Herbert y la secuela de 2001, 2010: The Year We Make Contact, fueron fracasos en taquilla lo que disuadió a los productores a invertir en literatura de ciencia ficción. Durante la segunda mitad de la década de 1980, los principales contribuidores del género fueron James Cameron con The Terminator (1984) y Aliens, el regreso (1986) y Paul Verhoeven con RoboCop (1987). También se comenzó a utilizar la animación para el género de ciencia ficción, con ejemplos en la japonesa Akira (1988) y la francesa Gandahar (1988).

En los años 1990, con la aparición de la World Wide Web y el género cyberpunk, aparecieron varias películas sobre la temática hombre-computadora, como Total Recall (1990), The Lawnmower Man (1992), Virtuosity (1995), Johnny Mnemonic (1995), eXistenZ (1999) y The Matrix (1999). Otros temas fueron las películas de catástrofes, como Armageddon y Deep Impact, ambas de 1998; invasión extraterrestre como Independence Day (1996); y experimentación genética como en Jurassic Park (1993) y Gattaca (1997).

Con el paso del tiempo, las computadoras han tenido una papel más importante tanto en su uso para efectos especiales como en la producción de la película. El desarrollo de software más sofisticado ha permitido a los cineastas mejorar la calidad visual de la animación, con películas de ciencia ficción como Ghost in the Shell (1995), The Iron Giant (1999), Titan A.E. (2000) o Final Fantasy: La fuerza interior (2001).

Durante la década de 2000, las películas de fantasía y superhéroes abundaron, como también las películas de ciencia ficción tales como las dos partes siguientes de la trilogía The Matrix, The Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions. En 2005, se completó la saga de Star Wars con el estreno de su tercer episodio, La venganza de los Sith, con la competencia de otras aventuras galácticas en Serenity (2005). La ciencia ficción regresó a ser una herramienta para la crítica social y política en películas como Inteligencia Artificial, Minority Report, Children of men, Avatar y District 9.

<b> Temas, imaginería y elementos visuales </b><br><br>

Las películas de ciencia ficción son a menudo especulativas por naturaleza e incluyen elementos clave de apoyo de la ciencia y tecnología. Sin embargo, la mayoría de las veces, se utiliza la ciencia en el género cinematográfico puede ser considerada como seudociencia, dependiendo principalmente de una atmósfera y fantasía artística cuasicientífica más que en hechos y teorías científicas convencionales. Sin embargo, la definición también puede variar dependiendo del punto de vista del observador: lo que puede parecer una película de ciencia ficción para un espectador se puede considerar fantasía para otro y viceversa.

Muchas películas de ciencia ficción incluyen elementos de misticismo, ocultismo, magia o sobrenaturales, considerados más propios del género fantástico o de terror. Estos elementos transforman el género a una fantasía científica con una filosofía religiosa o cuasi-religiosa que sirve como motivación del argumento. La película El planeta prohibido (1956) utiliza muchos elementos comunes de la ciencia ficción, pero el némesis es una criatura poderosa que se asemeja a un espíritu demoníaco. La saga de Star Wars utilizó una filosofía cuasi-mágica y una habilidad conocida como la Fuerza. La película Las crónicas de Riddick (2004) incluía elementos parecidos a la necromancia y el elementalismo.

Algunas películas difuminan la línea entre géneros, como aquellas en la que el protagonista consigue los poderes extraordinarios de un superhéroe. Estas películas utilizan generalmente un razón aparentemente convincente para que el héroe gane sus poderes. Sin embargo, muchos aspectos de este género se acercan más a la fantasía que a la ciencia ficción.

No todos los temas de la ciencia ficción son igualmente apropiados para las películas. Además de la ciencia ficción de terror, la ópera espacial es un tema común. A menudo, estas películas podrían pasar por westerns o bélicas si se eliminasen los decorados y accesorios de ciencia ficción. Otros motivos comunes son los viajes y expediciones a otros planetas y las distopías, mientras que las utopías son raras.

<center><h1> Cine Romántico</h1></center>

El cine romántico es un género cinematográfico que se caracteriza por retratar argumentos construidos de eventos y personajes relacionados con la expresión del amor y las relaciones románticas. El cine romántico se centra en la representación de una historia amorosa de dos participantes, la cual atraviesa las principales etapas de la concepción del amor como el cortejo y el proceso nupcial.

Este género cinematográfico frecuentemente explora elementos clave en la concepción popular del amor, construyendo su argumento a partir de situaciones como el amor a primera vista, el amor cronológicamente discordante (amor entre una persona de edad joven y una persona de edad madura), el amor trágico, el amor destructivo, el apasionante amor sexual, el amor homoerótico y el amor imposible. El cine romántico se caracteriza por retratar una historia de amor o la búsqueda del amor como argumento principal del filme, apoyándose situaciones ajenas al argumento principal que obstaculizarían la continuidad del amor entre la pareja que estelariza el argumento del filme. Como obstáculos amorosos se incluye la percepción de un amor imposible, la infidelidad, la incompatibilidad amorosa, el love-hate, la enfermedad, el dinero, la discriminación social y la intervención de personas que pretenden terminar con el amor de la pareja.

El cine romántico constituye la adaptación audiovisual del amor en palabra o el amor literario de la novela rosa. Una de las primeras obras fílmicas considerada como cine romático fue el cortometraje de 1896 de William Heise, Der Kuss (The Kiss, El Beso); este cortometraje protagonizado por May Irwin y John Rice mostraba imágenes de ambos actores dándose un beso en los labios.

Con la entrada del siglo XX, el amor se popularizó en las pantallas. La temática del amor entre dos personas se comercializó y comenzaron a surgir nuevos títulos fílmicos que retrataban el amor durante las primeras tres décadas del siglo XX en el periodo del cine mudo. Algunos títulos del cine mudo que incluyeron al amor como argumento principal fueron Camille (1915) dirigida por Albert Capellani, Intolerance (1916) dirigida por David Wark Griffith, Male and Female (1919) dirigida por Cecil B. DeMille, The Four Horsemen of the Apocalypse (1921) dirigida por Rex Ingram, The Hunchback of Notre Dame (1923) dirigida por Wallace Worsley y The Garden of Eden (1928) dirigida por Lewis Milestone.

El cine romántico obtuvo gran popularidad con la llegada del cine sonoro, lo que permitió un mayor entendimiento de la audinecia y un aumento en la complejidad de la producción fílmica. A partir de los años 1930, se comienzan a producir nuevos filmes sonoros (normalmente basados en novelas existentes) que comienzan a tener una mayor complejidad porque incluían diálogos más extensos y música que acompaña el ambiente de la película. Algunos títulos notables de la década de los 30's y 40's incluyen: Chained (1934) dirigida por Clarence Brown, Camille (1936) dirigida por George Cukor y The Philadelphia Story (1940) dirigida por George Cukor. En los años 1930 florece un subgénero de la cinematografía romántica, la comedia romántica con obras exponentes como: It Happened One Night (1934) y Bringing Up Baby (1938).

En en los años 50's cuando el cine romántico alcanza su mayor auge durante la producción fílmica de la época dorada de Hollywood. Este periodo es el tiempo en el que aparecieron y se desarrollaron nuevos géneros del cine romántico como el thriller romántico, el chick flick, la comedia romántica y el drama romántico. <br><br>

<b>Subgéneros</b><br><br>

<b>Chick flick:</b> Es un subgénero del cine romántico que se caracteriza por retratar a personajes femeninos principales dentro de roles sociales activos, los cuales frecuentemente evidencian un carácter feminista. El chick flick es destinado al consumo femenino; por tal razón siempre presenta a mujeres de carácter fuerte que triunfan en el ámbito personal al sobresalir y conseguir el amor deseado. También es característico dentro del chick flick los argmuentos de la amistad homosocial entre mujeres, el amor hacia un masculino atractivo y algunos elementos de la comedia.5 Algunos títulos son: Dirty Dancing (1987), 13 Going on 30 (2004), P.S. I Love You (2007), 27 Dresses (2008), Dear John (2010) y The Lucky One (2012).

<b>Comedia Romántica:</b> Es un subgénero del cine romántico que se caracteriza por presentar una historia de amor en la que intervienen elementos de la comedia (normalmente comedia verbal).7 Existen distintas variantes que pueden estar enfocadas a géneros como la comedia musical, el cine de acción, etc. Dentro de la comedia romántica existen ejemplos como Moonstruck (1987) y When Harry Met Sally... (1989). Dentro de la comedia musical romántica se encuentran películas como Gigi (1958) y Enchanted (2007). Existe una variante denominada comedia romántica de acción en la que se incluyen películas como Mr. & Mrs. Smith (2005) y Knight and Day (2010).

<b>Drama Romántico:</b> Es un subgénero del cine romántico que se caracteriza por presentar un argumento amoroso de carácter serio en el que se resalta la pasión amorosa entre la pareja que aparece en la película. No lanza ideas anticipadas a la audiencia sobre la concepción o finalización de la relación amorosa de la pareja en la película (normalmente terminando en un final inesperado en el que no se concreta la relación amorosa por la partida o muerte de alguno de los amantes) y utiliza música para indicar el estado de ánimo en los personajes. Algunos títulos incluyen: Casablanca (1942), Love Story (1970), Last Tango in Paris (1972), New York, New York (1977), Ghost (1990) y City of Angels (1998).

</b>Thriller romántico </b>: Es un subgénero del cine romántico que se caracteriza por presentar una historia de amor que se combina con elementos del cine thriller. Algunos ejemplos son: The Bodyguard (1992), The Phantom of the Opera (2004), Wicker Park (2004) y Twilight (2008).

<center><h1>Cine de comedia </h1></center>

Una comedia cinematográfica es una película con humor o que intenta provocar la risa de la audiencia. Junto con el drama y la ciencia ficción, la comedia es uno de los más importantes géneros cinematográficos.

El cine de comedia, que se caracteriza por la inclusión de gags, chistes o bromas, tanto visuales como verbales, inicia su andadura prácticamente con el comienzo de este arte. El cine cómico entre los últimos años del siglo XIX los primeros del siglo XX tenía una base cómica en el burlesque y el humor slapstick. El regador regado (1896), película francesa de los hermanos Lumière, se considera la primera comedia de la historia del cine. Desde un comienzo, se crearon películas en las que se mostraban imágenes que alegraban o hacían reír al espectador, aunque fuesen sin acompañamiento del sonido. En estas comedias, casi en su totalidad estadounidenses se utilizaban las persecuciones, los golpes, las caídas, las sorpresas de los personajes, para conseguir la hilaridad del público. Era un cine lleno de golpes de tartas, choques de automóviles y cientos de situaciones más o menos insólitas. Mención merecen las innumerables cintas con locas y rapidísimas persecuciones policiales. Se observa así que se crean los prototipos de lo que luego sería todo el cine de comedia.

Entre los nombres importantes del cine cómico mudo, destacan Charles Chaplin, Mack Sennett, Roscoe Fatty Arbuckle, Buster Keaton, Max Linder, Harry Langdon o Harold Lloyd. Films de esta época son: Police (1916), El maquinista de La General (1926), El hombre cañón (1926) y El tenorio tímido (1924). Dada la popularidad que adquirieron algunos personajes (como Charlot), al cine de comedía de esta época se le ha llamado, por extensión, «cine cómico». Hoy en día se confunde, en ocasiones, con cine mudo. En la actualidad, hay autores que aún hacen diferencias entre «cine cómico» y «cine de comedia»,[cita requerida] pero esas sutilezas se disolvieron cuando se empezó a utilizar el llamado «sonido en conserva».

Al incorporarse el sonido a las películas cambió la técnica y la expresión. Los costos de la realización de las películas se elevaron. Se esperaba entonces que se incluyesen también frases, chistes o juegos de palabras ingeniosas, ruidos sorprendentes y músicas, que subrayasen los momentos más divertidos en todas las comedias cinematográficas. Creando un estilo más sutil, se perdió el entendimiento internacional de las situaciones. Algunos sobrevivieron a la transformación del medio (Chaplin, mucho tiempo después Keaton como actor, ya que no volvió a dirigir películas, Laurel y Hardy) y otros, en cambio, sucumbieron a la fascinación del público por las películas sonoras.

En algunos casos, esta conjunción de las películas y el sonido dio como resultado el cine musical y en Estados Unidos, propició la aparición, con la suma de elementos cómicos, a la llamada comedia musical americana. Tanto en los inicios de esta época, como en la anterior hay algunos elementos propios del «cómico»: vestuario más o menos ridículo, maneras o formas de pensar curiosas o ingeniosas, pero siempre muy personales, actitud muchas veces provocativa, carencia/abundancia de miedo, agobio por las nuevas tecnologías, vergüenza, y en, algunos casos, visión y actitud poética ante la vida. Son subrayables, en estos momentos, los ya mencionados Laurel y Hardy, conocidos en España como El gordo y el flaco.

Poco después empiezan a filmar los Hermanos Marx, que unen los modos característicos del cine cómico de la era muda, con los nuevos descubrimientos de la comedia sonora. Películas como Sopa de ganso (1933) incorporan el absurdo a la comedia, mostrando las huellas del surrealismo y dadaísmo ya muy conocidos en la época. Otros actores fueron Bob Hope, Jimmy Durante, Abbott y Costello, Jerry Lewis y Dean Martin, Lucille Ball quien fuera una de las coristas de los tres chiflados y otros más, a veces secundados por bellas mujeres como Marilyn Monroe o Jane Russell.

En época más cercana, Woody Allen que maneja en tono irónico sus fobias acerca del matrimonio.

El género del Vodeville cruzó las fronteras y se instaló en el cine en México en el año 1936 destacándose varios cómicos de origen circenses entre ellos Mario Moreno conocido mundialmente como Cantinflas, Viruta y Capulina y los hermanos Valdez (Ramón, Manuel y Germán, conocido como «Tintan».

Todo el cine de comedia pierde el sentido del ritmo del cine cómico anterior y se va reduciendo a una sucesión, más o menos acertada, de gags. El cine de Ernst Lubitsch, que se inicia, como el de muchos otros, en el cine mudo, abre la perspectiva de la llamadas «comedias elegantes o sofisticadas» que siguieron, entre otros, Jean Renoir, Howard Hawks, Frank Capra y George Cukor. Este tipo de comedia marcará todo el cine de humor del futuro y de todos los países. Con estos directores, llegan las innumerables grandes estrellas de la pantalla como Katharine Hepburn, Cary Grant, Barbara Stanwyck, Clark Gable, Ginger Rogers o James Stewart.

<b>Comedia inglesa o la influencia del cine norteamericano</b><br><br>

Sombras de este cine de costumbres podemos descubrirlas también en las cintas inglesas de principios de siglo. A pesar de la hegemonía del cine norteamericano, en la misma lengua y con un poder de realización netamente superior, surgía en Inglaterra, en los años veinte, un famoso realizador que luego sería mundialmente conocido: Alfred Hitchcock. Obviamente, como también sucede en los demás países, los mismos directores que realizan comedias hacen films de otros géneros, y esto contribuye a la mezcla y a las pinceladas de un género cinematográfico en otro. Pronto, la inicial frontera entre unas películas y otras se desdibuja significativamente. Hay que señalar en este país, dentro de la línea de comedia costumbrista, la cinta Whisky a go go (1949), de Alexander Mackendrick, raíz junto con otras de lo que luego serían los Estudios Ealing, cuna de la comedia inglesa. Es necesario destacar las figuras de los actores Charles Laughton, Peter Sellers y Alec Guinness que están íntimamente ligadas a la brillantez de la comedia inglesa. Este periodo terminará con El quinteto de la muerte (1955), del mismo Mackendrick, donde aparecen Sellers y Guinness.

<b>El cine cómico francés</b><br><br>

Como ya citamos, con la creación del cine, prácticamente se crea el cine de comedia francés. Con un paso obligado por el cine mudo (George Méliès, Max Linder), y, siguiendo las pautas que marcará el cine norteamericano sonoro, encontramos en Francia películas como las de Jacques Becker, René Clair y Jean Renoir con su destacada La regla del juego (1939). Es importante señalar que el cine francés, casi desde su origen, buscó, influido por la Comedia Francesa, un toque artístico en muchas de sus producciones. Así, además del puro cine cómico (de clara influencia norteamericana) y el cine costumbrista (predominante en Italia), en Francia hallamos un cine de comedia, fuertemente marcado por su teatro nacional, que busca un poso de arte en muchas de las cintas y que marcará para siempre el cine francés de cualquier género. Desde el Viaje a la Luna (1902) de Méliès, con sus tramoyas y efectos visuales, influidos por la magia como espectáculo hasta Juana de Arco (1999), de Luc Besson vemos un intento de crear unas imágenes más preocupadas por la forma visual y la innovación artística en el cine, siempre con una sonrisa cómplice del espectador.

También hay que destacar toda la filmografía de Jacques Tati, Fernandel y en su máximo exponente Pierre Richard.

<b>España: de la comedia “a la italiana” al “subruralismo”</b><br><br>

Como decíamos, pronto la comedia costumbrista italiana creo todo un género en España que tuvo, como no, sus influencias norteamericanas y francesas. Desde las primeras películas de Benito Perojo, cintas mudas entre las que, sorprendentemente, había hasta alguna zarzuela (al fin y al cabo, comedias musicales costumbristas) O Florián Rey vemos como las gentes de la calle y el folclore popular reinan en el cine de comedia español. Como se puede intuir, en cuanto llegó el cine sonoro la comedia musical española se destacó como un subgénero propio que marcaría el cine de este país durante muchas décadas.

Más recientemente, caben destacar las aportaciones de José Luis Cuerda con sus comedias de género subruralista, concepto acuñado por el propio autor para definir el humor surrealista dentro del contexto de la España rural: Amanece, que no es poco (1988), Así en el cielo como en la tierra (1995); y de Tricicle con Palace (1995), claro homenaje al cine cómico mudo.

<b>Argentina: del circo criollo al teatro de revistas</b><br><br>

En Argentina el género del grotesco se inició a fines del siglo XIX con el circo criollo de los Hermanos Podestá donde interpretaban todo tipo de obras como los clásicos de la literatura gauchesca, el más popular de los cuales fue Juan Moreira. Entre ellos se destacó el payaso José Podestá conocido como Pepino el '88, y dentro de esa misma compañía se encontraba Olinda Bozán, quien ingresó en el cine mudo en el año 1910 y filmó cuatro películas de tono gauchesco, quien fue acompañada por Florencio Parravicini, que en el año 1926 formó parte de la primera compañía artística del teatro de revistas proveniente de Francia, donde fue secundado por Pepe Arias, ellos fueron acompañados por un grupo de coristas denominadas bataclanas donde se destacaron las vedettes Gloria Guzmán y Tita Merello, e inauguraron el cine cómico sonoro en el año 1933; luego se le sumaron otras grandes figuras también provenientes del circo como Luis Sandrini, Enrique Serrano y Francisco Álvarez, y de la radio como Niní Marshall, quien debutara con el personaje de «Cándida», quien fue acompañada por la primera pareja cómica formada por Dick y Biondi, dos payasos que eran la atracción de los cabarets de Francia, donde acompañaban a la vedette Joséphine Baker.

El género de lo grotesco alcanzó su etapa de mayor producción durante el transcurso de la década del 1930 al 1950 cuando surgieron otras parejas y grupos cómicos provenientes del teatro de revistas como Tomás Simari y Marcos Caplán, Dringue Farías y Castrito, Alfredo Barbieri y Don Pelele, y de la radio como Buono y Striano, los hermanos Ratti y Los Cinco Grandes del Buen Humor.

En el año 1955 este género agregó otro condimento que proviene del vodevil americano convirtiéndolo en picaresco con la inclusión de la figura femenina como elemento decorativo; ellas eran Blanquita Amaro y Amelita Vargas; en esta etapa se destacaron Pedro Quartucci, Juan Carlos Thorry, Dringue Farias, Adolfo Stray, José Marrone, Juan Verdaguer y Fidel Pintos, quienes tuvieron su mayor auge durante las décadas del `60 y `80 cuando incorporaron como atracción a la Miss Argentina Isabel Sarli y la dupla formada por Alberto Olmedo y Jorge Porcel.

En esa época surgió el género de la sátira que utilizaba la ironía para ridiculizar las costumbres de la sociedad porteña a través de la figura del tragicómico; quienes se destacaron fueron Luis Sandrini, en la película La cigarra no es un bicho y ya en la década de los ochenta Antonio Gasalla, China Zorrilla y Julio De Grazia en la película Esperando la carroza - un clásico del género grotesco criollo rioplatense- Pepe Soriano y Juan Carlos Altavista con La nona, Alberto Olmedo con El manosanta y Gianni Lunadei con La clínica del doctor Cureta.

<center><h1> Cine de Animación </h1></center>

En el cine de animación se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una por una, mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas, de forma que, al proyectarse consecutivamente, se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.

La definición correcta de la palabra animación proviene del latín, lexema “anima” que significa “alma”. Por tanto, la acción de animar se debería traducir como «dotar de alma», refiriéndose a todo aquello que no la tuviera.

Según el animador norteamericano Gene Deitch, <i>“animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.”</i>

<b>Breve historia de la animación</b><br><br>

La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento, para que se mantengan estáticos. Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.

El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.

El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».

Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.

Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.

<b>Surgimiento en Francia</b><br><br>

La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación. Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.

El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.

Otros pioneros

James Stuart Blackton y el español Segundo de Chomón Suecia incorporó nuevos movimientos en acción.

<b>Durante el cine mudo </b><br><br>

Durante la época del cine mudo y los primeros años del cine sonoro aparecieron las principales formas del cine de animación.

Por un lado, las películas más comerciales, destinadas al público masivo, como las producidas por Walt Disney o las que incluían personajes como Popeye o Betty Boop, y por otro lado artistas de vanguardia que contemplaron la animación como una extensión de las artes plásticas y realizaron obras experimentales (Oskar Fischinger, Len Lye, etc.).

Entre medias, infinitas modalidades, desde los cuentos tradicionales en siniestros muñecos animados por Ladislaw Starewicz hasta el "reportaje animado" sobre el hundimiento del Lusitania de Winsor McCay.

<b>Largometrajes de animación </b><br><br>

El primer largometraje de animación fue mudo y argentino El apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines.

Otros largometrajes tempranos (que sí están a disposición del público actual) fueron Die abenteuer des Prinzen Achmed (Alemania, 1926) de Lotte Reiniger y Le roman de Renard (Francia, concluida en 1930 pero estrenada en 1937) de Starewicz. Finalmente, en 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanitos.

Previamente a la II Guerra Mundial, la animación era utilizada como arma política, en la que se ridiculizaba a los grandes dictadores de la época. Durante la guerra, eran populares entre los soldados americanos las proyecciones y las tiras cómicas de "Ducktators", una serie de cortometrajes de Warner Brothers. Los soldados decoraban las bombas y los aviones con dibujos de "Ducktators".

Después de la Segunda Guerra Mundial hubo un enorme desarrollo de lo que ya era la Industria del Cine de Animación.

En Estados Unidos, se consolidó el cartoon clásico con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros (con artistas como Chuck Jones y Friz Freleng; personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas, Elmer, Porky, etc.), de la Metro Goldwyn Mayer (con Tex Avery), y posteriormente el nuevo estilo de la UPA.

El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Hasta nuestros días, el NFB ha producido la obra de numerosos artistas, entre los que se puede destacar a Frédéric Back, Ryan Larkin, Ishu Patel, Caroline Leaf, Chris Landreth, etcétera.

En los países del bloque comunista, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo (y en muchos casos realizaron películas contra el régimen político que sufrían, en clave para pasar la censura). La primera gran figura de este desarrollo fue la del animador checo de marionetas Jiri Trnka, un artista popular y delicado.

En estos años también empezaron a realizarse películas animadas en China y Japón.

<b>La animación y la televisión</b><br><br>

En los años 1960 y 1970, con la popularización de la televisión, los cortometrajes de animación desaparecieron definitivamente de los cines, a partir de entonces limitadas a los largometrajes comerciales, terreno dominado por Disney hasta los años 1990. A pesar de ello el cortometraje floreció en otros canales de distribución (festivales, circuitos especializados, etc.), sobre todo con la aparición de numerosas escuelas de animación en todo el mundo.

En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine. Sin embargo, en los años 70 algunas alternativas gozaron de favor del público. El más conocido puede ser Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground (Heavy Traffic, Fritz el gato caliente) y posteriormente sus películas de fantasía (El señor de los anillos, Wizards, Tygra). Entre los cortometrajistas destacaron John y Faith Hubley.

Las industrias de Europa del Este y la Unión Soviética, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Švankmajer, que utiliza el stop-motion y la plastilina para crear mundos surrealistas. Otros nombres que se pueden mencionar son los de Marcell Jankovics, Sándor Reisenbüchler, Yuri Norstein, Walerian Borowczyk, Jan Lenica, etcétera.

Osamu Tezuka protagonizó la explosión de los dibujos animados nipones, en lo sucesivo conocidos como anime. Autor de historietas prolífico, adaptó varias de sus propias obras, consiguiendo el primer éxito con la serie de televisión Astroboy, que definió los rasgos habituales del anime: rasgos faciales de los personajes, animación limitada, narración semejante al cine de imagen real, vínculo entre la industria de la animación y la del cómic. Tezuka, un huracán creativo, también realizó largometrajes y hasta cortometrajes experimentales. Durante los años 60 el anime fue habitual en las salas de cine, pero en la década siguiente quedó confinado a la televisión. También hubo notables animadores independientes como Yoji Kuri y Kihachiro Kawamoto.

En Europa occidental los logros fueron más puntuales: películas como El submarino amarillo de George Dunning, Allegro non troppo de Bruno Bozzetto o El planeta salvaje de Réne Laloux tuvieron repercusión. En el cortometraje destacaron artistas como Raoul Servais, Jean-François Laguionie o Paul Driessen

Estados Unidos

En Estados Unidos, Disney ha tenido un momento de esplendor a principios de la década de 1990, con algunas de sus más exitosas y mejores películas, sobre todo La bella y la bestia de Trousdale y Wise. El auge de la infografía ha llevado a la compañía Pixar de John Lasseter (inicialmente una pequeña productora que realizaba cortos infográficos experimentales en los años 1980) a convertirse en la más exitosa productora del mundo, con películas tan bien acogidas como los mejores Disney: Toy Story, Bichos, Monsters Inc., etc.

También se han producido algunas películas aisladas de gran calidad, como El gigante de hierro de Brad Bird, Pesadilla antes de Navidad de Henry Selick, y las totalmente independientes y artesanales Me casé con un extraño y Mutant aliens de Bill Plympton, un frenético humorista que también es el autor de cortometrajes más conocido del período.

Japón

El anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. Los largometrajes para cines, después de desaparecer prácticamente durante los años 1970, volvieron con una fuerza creativa y comercial inusitada, principalmente a partir de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira de Katsuhiro Otomo. Se ha producido una explosión en la variedad de los estilos y temáticas que se tratan, con autores tan diferentes como Mamoru Oshii, Satoshi Kon o Isao Takahata, mientras el citado Miyazaki se ha convertido en un director de culto internacional con el prestigio de los grandes directores de imagen real. Un animador independiente que ha logrado reconocimiento en Occidente ha sido Koji Yamamura.

Europa

En Francia han destacado los cortometrajes de la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc. En adición y como largo más destacable se halla la película el planeta salvaje dirigida por René Laloux está considerada como uno de los grandes clásicos de la animación.

En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park) y se lanzó a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director. Al abrigo de este éxito florecía la animación independiente, donde se puede citar al estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay.

Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con su prestigioso largometraje Fimfarum) y el veterano pero aún activo y conocido Jan Svankmajer; el polaco Piotr Dumala; los letones Priit Pärn y Priit Tender y, sobre todo, la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka a la cabeza.

Argentina

El apóstol (Quirino Cristiani, 1917) fue el primer largometraje de animación de la Historia. Dante Quinterno fue el productor y director del primer dibujo animado en color de la Argentina, con su prestigioso cortometraje del personaje Patoruzú,titulado "Upa en Apuros" en 1942.

Manuel García Ferré está considerado como el mayor exponente de todos los tiempos en la animación Argentina. Historietista, publicista y animador de origen español vive en Argentina desde la edad de 17 años. Sus películas están plenamente orientadas para los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Petete y Calculín, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la revista Anteojito. Es el creador de la única productora argentina (la cual lleva su nombre) de animación con continuidad.

Algunos estudios de animación argentinos: Patagonik Films (fundado en 1997), Estudio Pulpo (fundado en 2009).

En Argentina el programa de televisión Caloi en su tinta, dedicado exclusivamente al género y presentado por el historietista Carlos Loiseau (conocido como Caloi), se ha mantenido en pantalla durante más de diez años.

Juan Pablo Zaramella Es considerado el más importante animador argentino contemporáneo. Todos sus cortometrajes fueron premiados en festivales de todo el mundo. Su última producción "Luminaris", ganó más de 200 premios internacionales como Annecy 2011, y fue preseleccionado al Oscar en la categoría Mejor Corto Animado.

Ejemplos de producciones de animación argentinas (ámbito televisivo y cinematográfico):

Upa en Apuros (1942, cine) fue el primer dibujo animado en color de la historia del cine Argentina (producido y dirigido por Dante Quinterno)

Las aventuras de Hijitus (1967, TV) fue la primera serie televisiva de dibujos animados de la Argentina y la más exitosa de Hispanoamérica.

Mil intentos y un invento (1972, largometraje)

Las aventuras de Hijitus (1973, largometraje) fue una recopilación de varios capítulos de la serie televisiva.

Petete y Trapito (1975, largometraje)

Calculín (1977, telefilme)

El libro gordo de Petete (1980, TV)

Ico, el caballito valiente (1981, largometraje)

Mi familia es un dibujo (1996-1998, TV) fue una comedia argentina televisada por Telefé

Dibu: la película (1997, largometraje)

Dibu 2: la venganza de Nasty (1998, largometraje)

Manuelita (1999, largometraje)

Corazón, las alegrías de Pantriste (2000, largometraje)

Cóndor Crux, la leyenda (2000, largometraje)

Los Pintín al rescate (2000, largometraje)

Dibu 3, la gran aventura (largometraje estrenado el 18 de julio de 2002)

Mercano el marciano (2002, largometraje)

Patoruzito (2004, largometraje)

Teo, cazador intergaláctico (2004, largometraje)

City Hunters (2005, TV)

Patoruzito: la gran aventura (2006, largometraje)

El Ratón Pérez (película) (2006, largometraje) coproducción argentino-española

El arca (2007, largometraje)

Isidoro: La película (2007,largometraje)

El ratón Pérez 2 (2008, largometraje) coproducción argentino-española

Boogie, el aceitoso (2009, largometraje)

Plumíferos (2010, largometraje)

Gaturro 3D (2010, largometraje) coproducción mexico-argentina

El Sol (2010, largometraje)

La máquina que hace estrellas (2011, largometraje) coproducción argentino-chilena

Metegol (película) (2013, largometraje) coproducción argentino-española

<b>Uruguay</b><br><br>

En Uruguay existe una tradición en un tipo de animación muy particular, llamado “clay animation”, un tipo de stop motion usando muñecos de plastilina con armazón de metal (alambre). Uno de los principales cultores de este técnica es Walter Turnier, quien junto al empresario Diego Silva crearon unos micro cuentos de 75 segundos llamados “Los Tatitos”, utilizados en publicidad. No tardaron en surgir algunas películas usando esta técnica, de las cuales la más reciente y que ha tenido repercusión internacional se llama “Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe”, estrenada en 2012, de 80 minutos de duración.

FIN . Volver Arriba

--------------------------------------------------------------------------------------------

Si tienen problemas con los caracteres especiales como "ñ" o letras con tildes, usar esta meta etiqueta, que se ubica en la sección <head>:

Tablas en HTML

<table>
<table border="6" bordercolor="black">
<tr>
<td > </td>
<td > </td>
<td > </td>
</tr>
<tr>
<td > </td>
<td > </td>
<td > </td>
</tr>

</table>